La création de mes œuvres : de la graine à la fleur
Cet article vous expose la manière dont naissent mes créations. La façon de créer varie considérablement d'un artiste à un autre. Si vous êtes collectionneur, ce contenu contribuera à parfaire votre culture artistique ; si vous vous sentez une âme d'artiste peintre, il pourra vous fournir quelques pistes pour débuter votre propre démarche.
Phase 1 : L'imprégnation culturelle
Je m'imprègne régulièrement de la peinture des grands Maîtres depuis des années. La peinture est ma passion. Les grands Maîtres sont avant tout des créateurs ayant influencé le monde de l'art depuis des siècles — qu'ils soient anciens ou contemporains, ils restent des exemples à suivre et à méditer.
Outre les sources traditionnelles — musées, galeries d'art, foires —, l'usage de YouTube et d'Internet a grandement facilité l'accès à l'art moderne. Ces outils permettent aux artistes de s'imbiber du talent des Maîtres anciens comme contemporains, et de visiter virtuellement des galeries représentant la peinture d'aujourd'hui.
Mon goût a tout d'abord été influencé par la peinture espagnole, notamment Sorolla et Mir, puis par l'expressionnisme allemand d'Emil Nolde, et enfin par Serge Poliakoff pour l'abstrait. Ces Maîtres ont tous influencé, à des degrés divers, ma façon de peindre et de créer.
Pour visualiser certaines de mes créations : cluchier-art.com
Phase 2 : La conception de l'œuvre
Mes tableaux ne naissent pas en un jour. Ils sont le fruit de réflexions et d'une maturation au fil du temps. Abstrait ou figuratif, mon procédé est toujours identique : je tiens un cahier de croquis que j'alimente au fil des mois et au gré de mon humeur.
Le visage des personnages est créé de toutes pièces et ne représente personne en particulier. En général, je ne pars pas du réel — j'essaie même de m'en détacher. Je me concentre sur la composition et sur l'équilibre des couleurs. Le rendu final reflète ce que j'ai dans la tête au moment où je peins. Je parcours mon cahier de croquis et, suivant mon état d'esprit, j'en choisis un qui m'inspire particulièrement.
Je produis peu de "séries", c'est-à-dire de tableaux partageant une palette identique ou une composition très similaire. Mes créations varient et traitent de sujets différents : paysages, marines, personnages, abstrait. Mon style a peu évolué au fil des années. Mes peintures ont peu de détails — les formes y sont plutôt suggérées et s'intègrent dans un équilibre global. L'éclairage est soigné, la couleur transcende le réel. Mes tableaux abstraits se fondent principalement sur des formes géométriques.
Phase 3 : Le choix de la tonalité chromatique
Il existe un choix infini de palettes pour un sujet donné. La couleur restitue une atmosphère, retransmise par l'esprit de l'artiste. Je m'efforce d'utiliser une palette qui trouve sa source dans le réel, sans en copier la perception visuelle. Le choix de la palette dépend de mon état d'esprit du moment, mais je donne toujours une expression particulière au sujet lorsqu'il est figuratif.
Concernant l'abstrait, le cheminement est légèrement différent. Il s'agit de produire une composition colorée unique, qu'on ne retrouve nulle part ailleurs. L'abstrait, c'est la création à partir du néant : l'artiste dispose d'une liberté absolue qui s'étend à l'ensemble de la palette. L'inspiration des grands Maîtres m'est indispensable, mais je m'en détache complètement au moment de créer. Je ne fais pas un "à la manière de" — ce qui ne serait pas une création. La griffe de l'artiste est essentielle. Une fois l'idée bien arrêtée, je passe à la production.
Phase 4 : La production
La toile défend sa blancheur — mais si les phases de conception et de choix chromatique ont été menées à bien, mes coups de pinceau vont s'enchaîner promptement et l'élaboration sera rapide.
Je peins exclusivement à l'acrylique, une technique de plus en plus adoptée par les artistes d'aujourd'hui. La grande majorité de mes couleurs est créée par un mélange appliqué directement sur la toile à l'aide d'une brosse. Quelques repères sont esquissés, les grandes masses définies à grands traits. Chaque partie du fond est peinte rapidement, sans ajout d'eau ni de médium. Une fois la toile entièrement couverte, elle doit présenter un visuel équilibré, des couleurs harmonieuses en accord avec ma vibration intérieure.
Cette étape franchie, les premiers détails sont posés sur chacune des zones définies. Mon travail se fait à la brosse — les coups restent visibles, les couleurs sont parfois peu fondues. La suggestion prime sur le détail. Je travaille humide sur humide, humide sur semi-humide, ou sec sur humide. J'utilise une dizaine de tubes de couleurs environ. L'acrylique séchant rapidement, il faut aller vite en première phase : le chromatisme doit être bien en tête dès le départ. J'utilise également, mais plus rarement, le feutre acrylique pour certains effets spécifiques.
Chaque étape doit converger vers la création finale. Je peins rarement en une seule séance — alla prima. La majeure partie du travail s'effectue lors de la première session, puis la toile est laissée plusieurs jours ou semaines dans l'atelier pour finitions et reprises. Cette maturation visuelle est essentielle : elle révèle les déséquilibres mineurs et permet d'ajuster l'accord des grandes masses entre elles.
Une fois achevée, la toile est photographiée sur le chevalet, signée au feutre acrylique, tamponnée au dos, puis quitte l'atelier. Je ne vernis jamais mes toiles. Dans de rares cas — de plus en plus rares avec l'expérience —, si le rendu final diffère trop de ma vision créative initiale, la toile est détruite. Rien ne m'est plus désagréable que de revoir une œuvre qui trahit ma vision.
Conclusion
La création artistique ne s'apprend pas — elle se vit et se développe au quotidien. C'est l'expression d'un besoin de communication avec les autres, autant que le plaisir de produire. Chaque artiste a son propre processus. Il n'y a pas de règle. La création est une liberté absolue.
Pour découvrir mes œuvres originales disponibles à la vente : cluchier-art.com
